Конференция «Чего хотят зрители?»
18 апреля в HSE CREATIVE HUB состоялась конференция «Чего хотят зрители?»
На TED-токе прозвучали яркие выступления лидеров киноиндустрии и видеоарта. Такие эксперты, как Наталия Клибанова, Костя Нафиков, Владислав Максименко, Иван И. Твердовский, Ульяна Подкорытова, проанализировали уровень зрительских потребностей: где встречаются ожидания и реальность.
В ходе панельной дискуссии Полина Кампиони, Алексей Минченок, Максим Волков, Алёна Сычёва, Никита Мещеряков поговорили о том, какие изменения происходят в сфере российской анимации. Рассмотрели авторскую и коммерческую анимацию — что это такое сейчас и куда двигаться дальше, чтобы сохранить качество работ и не потерять интерес зрителя.
Куратор профилей «Экранные искусства» и «Видеоарт» в Школе дизайна НИУ ВШЭ Александра Митлянская рассказала про курс ДПО «Видеоарт».
В завершении встречи состоялся показ анимационных работ студентов Школы дизайна НИУ ВШЭ.
Открыла конференцию преподаватель Школы дизайна НИУ ВШЭ, кинорежиссёр и видеохудожник Александра Першеева. В видеообращении Александра подчеркнула, что это «событие, которое можно было бы назвать „Днем экранных искусств“ в CREATIVE HUB Школы дизайна».
Александра обозначила вопросы, которые будут обсуждаться: - Как зритель встречает кино, сериалы, видеоарт, анимацию сегодня? - Как можно описать зрительский опыт? - В какой степени режиссер или художник должен следовать за зрительскими ожиданиями? - Где граница между авторским и коммерческим продуктом сегодня? - Где граница между кино, анимацией, современным искусством и видеоартом? - Каким образом студенты, которых мы готовим, вписываются во все эти траектории?
Первым с докладом «Авторское и документальное кино в кинотеатрах России. Зрительский опыт» выступил Костя Нафиков — продюсер, куратор международных кинофестивалей, преподаватель Московской школы кино и Московской высшей школы социальных и экономических наук.
Костя основал семь лет назад компанию Reflection Films, которая занимается выпуском нишевого авторского и документального кино.
Спикер отметил, что массово стало ходить меньше зрителей в кино. Однако последнее время прирост молодой аудитории произошел благодаря Пушкинской карте — порядка 10% бокс-офиса. А в новогоднее время около 30% билетов покупается по Пушкинской карте.
Костя Нафиков: «Все меньше зрителей приходит в кинотеатры, все меньше опыта коллективного просмотра кино у наших зрителей».
С авторским и фестивальным кино ситуация за последние годы ухудшилась. Костя полагает, что это произошло по ряду причин: - релокация части аудитории - часть аудитории, начиная с ковида, перешла в онлайн-кинотеатры - очень возросли требования аудитории к качеству фильмов.
Далеко не все российские артхаусные фильмы могут поддерживать какую-то планку, это связано с бюджетами, которых не хватает в том числе на продвижение самих картин.
При этом Костя обратил внимание на то, что традиционный пиар перестал работать.
«Информационные партнеры не могут сделать конкурс или репост, потому что это уже считается рекламой. Ее нужно маркировать. А чтобы ее маркировать, нужно писать договор, все это оформить, сдать документы. Информационные партнеры очень ограничены в своих возможностях».
Отсутствие лидеров мнений, рост цен на билеты, массовый потребительский эскапизм — также негативно влияют на ситуацию киноиндустрии сейчас.
Косте задали такой вопрос из зала:
Действительно ли помогут меры государственной поддержки? Сейчас у людей такое большое количество развлечений. Может проблема в том, что они выбирают другое, а не кино?
Что ответил Костя Нафиков вы можете узнать, посмотрев трансляцию.
Главный продюсер «Амедиа Продакшн» Наталия Клибанова выступила следом и рассказала, что занимается сейчас в основном коммерческими кино и сериалами, хотя считает, что «последние два фильма можно назвать авторскими блокбастерами. Фильм Германа „Воздуха“ и Лыкшина „Мастер и Маргарита“».
На этой встрече Наталия предложила разобраться, кто такой зритель сериалов и чем он отличается от зрителя кино.
«Основные площадки для сериалов — это федеральное телевидение и платформы».
Особенность платформ в том, что они изначально делали много запретного, табуированного контента, который не допустили бы на федеральные каналы. При этом зритель остался достаточно архаичным.
Наталия Клибанова: «Если проект, который сделан на большом федеральном канале, как правило, хорошо заходит на платформах, то оригинал с платформы редко хорошо заходит на федеральном канале. Это говорит о том, что аудитория разная».
Целевая аудитория сериалов — женщины. Они более терпеливы, чтобы ждать выхода каждой серии. К тому же именно женщина «владеет пультом в семье».
The Walt Disney Company стала такой популярной, потому что эта компания делает семейные истории, которые можно посмотреть всем вместе, например, за ужином.
Что зритель в первую очередь ждет от контента? Хорошее времяпровождение, досуг. Но не стоит забывать про терапевтический эффект, который несут сериалы и фильмы.
Наталия Клибанова: «Бывают моменты, когда ты попадаешь на контент, который резонирует для тебя в данный момент времени. Потому что герой тебе близок или он похож на кого-то из твоих близких либо ситуация, в которой он оказался тебе понятна, знакома. И тебе интересно, как герой эту ситуацию преодолеет».
«В сериальном контенте главный жанр — это мелодрама. На втором месте семейные истории». Потому что людям это понятно и интересно «смотреть на опыт других людей». Следующее по популярности — детективы и триллеры.
«Очень любят зрители оказываться умнее, чем создатели. Им интересно предугадывать какие-то ходы в расследованиях».
Меньше всего контента сейчас делается для подростковой аудитории. Но есть удачные кейсы и в этой нише — «Трудные подростки», «Цикады», «Плейлист волонтера».
Активно поднимаются сейчас социальные темы в сериалах — буллинг, абьюз, проституция, беспризорники. На примере сериала «Тётя Марта» Наталия подтвердила свои слова о терапевтическом эффекте — «после первого сезона было усыновлено 4 ребенка».
Продолжил TED-ток издатель, автор комиксов, сценарист, продюсер, основатель издательства Wizart Владислав Максименко и рассказал про «Зрительский опыт в комиксах и анимации».
Владислав отметил, что когда речь идет о комиксах, то точнее называть потребителей этого контекта читатели, а не зрители. Спикера радует, что за последнее время культура комиксов стала серьезнее восприниматься обществом:
«Это перестало быть чтивым для детей и для людей с сомнительными умственными способностями».
Недавно издательство запустило новое направление, рассчитанное на женскую аудиторию от 12 лет, — Дорама. Эту историю создали на основе зрительских потребностей — авторы Wizart собрали мотивы из популярных фильмов «Дюна», «Великолепный век».
Владислав Максименко: «Люди стали понимать, что комиксы — это отдельное искусство. И это отдельный формат подачи материала — дитя кино и литературы».
Сейчас у многих издательств есть свои комикс-вселенные. Например, издательство «Молот» выпускает комиксы, основанные на русском фольклоре.
Владислав распределил свое издательство по направлениям: семейное направление, арт-новеллы. Причем Wizart установили такой стандарт: слева страница с иллюстрациями, а справа — текст. Таким образом они дополняют друг друга и рассказывают одну и ту же историю разными языками.
Владислав Максименко: «Мы делаем просто хорошие истории со своим приколом и ориентированы на то, чтобы любители дорам купили этот комикс и не разочаровались».
Владиславу был задан такой вопрос из зала:
При производстве комиксов использует ли ваше издательство искусственный интеллект?
Владислав ответил, что использует ИИ только для поиска референсов. Рисовать и создавать сами комиксы могут только люди на его взгляд. Потому что это в первую очередь сложный творческий процесс, на который машины сейчас не способны.
Творческий руководитель направления «Экранные искусства» в Школе дизайна НИУ ВШЭ, кинорежиссёр, сценарист, лауреат российских и международных кинофестивалей, член Европейской киноакадемии Иван И. Твердовский рассказал про зрителя в авторском кинематографе и как цифровые платформы влияют на развитие авторского кино и современного искусства.
По статистическим данным в кино ходят в основном женщины, а показы авторского кино посетили за 2023 год около 355 тысяч зрителей. При том, что всего в кинотеатры ходят примерно 90 миллионов человек за год.
ТВ смотрят хотя бы раз в месяц 97% людей в РФ. Выросла популярность тематических каналов за последние годы. Онлайн-кинотеатры тоже набирают популярность — половина российских семей имеют хотя бы одну платную подписку. В онлайн-сервисах преобладает молодая аудитория и снова женская.
Иван И. отметил, что в онлайн-кинотеатрах доля авторского кино превышает показатели ТВ и кинопроката и составляет 5%, из которых 1,5% именно российское кино.
Междисциплинарная художница Ульяна Подкорытова занимается в том числе видеоартом и на примере своих собственных работ поделилась, как ей приходится общаться со зрителем и как зрительская история влияет на ее собственную практику.
Ульяна также занимается скульптурой и живописью, используя в основе антропологию и фольклор. Это то, что объединяло людей на ярмарочных площадях и то, что продолжает объединять людей сейчас, но уже на территории интернет-пространства.
Если в кино стали ходить меньше, то в современном искусстве Ульяна наблюдает наоборот всплеск интереса.
Ульяна Подкорытова: «В инсталляцию невольно вписывается зритель и становится частью того, что я делаю».
Ульяна в своих арт работах говорит обычно о проблемах, которые ее волнуют и хочет «привлечь зрителя в свой странный ребус», чтобы он его разгадал. Ее главная цель — «захватить людей в процесс размышления о каких-либо проблемах».
В качестве примера Ульяна привела свою работу, сделанную для выставки в рамках экспедиции по Ямалу. Инсталляция Караоке не имеет смыла без зрителя, который становится ее частью, заходя в эту волшебное пространство. В будке можно было спеть под ритмичную мелодию песни, которые исполняют женщины севера.
Данной работой Ульяна стремилась привлечь внимание к проблемам людей, которые являются представителями коренных народов.
Чем отличается видеоарт от фильма?
На видеоарт легче привлечь зрителя, потому что он уже пришел на выставку и обычно хотя бы на пару минут готов задержать свое внимание на видеоработе, которая не имеет начала и конца и бесконечно транслируется по кругу.
«Когда человек ходит по выставке, ему легче впиться глазами, легче проникнуть. Даже если он ничего не понял, то какой-то эмоциональный чувственный осадок останется внутри и, возможно, потом запустит некий мыслительный процесс».
Ульяна рассказал про свою работу, в которой она как перформер в деревянном костюме ходила по отравленному берегу Белого моря, где в 2019 году произошла ужасная экологическая катастрофа.
Реакция зрителей была разная. Причем от местных жителей были в основном отрицательные комментарии. Ульяна много общалась с авторами таких комментариев, нашла с ними общие темы. Спикер ценит общение с людьми и всегда благодарна их мнению.
Ульяна отметила феномен документирования перфоманса. Сначала такое произведение искусства наблюдают одни зрители и в какой-то степени вовлекаются в процесс создания арт объекта. Ульяна привела в пример свою работу «Globster» на фестивале Soundaround, где зрители стали также и соавторами. Затем была сделана видеодокументация перфоманса, и это видео демонстрировалось потом на других фестивалях, где зрители могли увидеть эту работу, но уже остаться только сторонними наблюдателями.
Панельная дискуссия «Авторская и коммерческая анимация: ожидания зрителя и реальность»
Модератором дискуссия была Полина Кампиони — руководитель специализации «Анимация» на направлении «Анимация и иллюстрация» в Школе дизайна НИУ ВШЭ, режиссёр анимации, художник-мультипликатор. Полина предложила начать обсуждения с вопроса, где граница между авторской и коммерческой анимацией?
Киновед, продюсер анимационного кино, программный директор кинофестивалей, генеральный директор «Параноид Анимейшн Студио», руководитель анимационной студии «100 киловатт» Алёна Сычёва объяснила, чем отличается, по ее мнению, коммерческое от авторского кино.
«Авторская анимация создается либо одним человеком, либо все подчинено воле режиссера. Снимается авторская анимация по-хорошему только тогда, когда автор не может не снять этот фильм. А вот коммерческая анимация — это коллективное творчество. Кино, в принципе, творчество коллективное. Но в коммерческой анимации учитывается не только мнение автора».
Алёна подчеркнула, что в авторской и коммерческой анимации больше сходств, чем различий, которые в основном заключаются в организации производства и в целеполаганиях.
Режиссёр, художник, преподаватель НИУ ВШЭ и шоураннер анимационной компании «Ярко» Алексей Минченок вступил в диалог с Алёной и отметил, что в авторском кино, на его взгляд существуют все те же инстанции, что и в коммерческом. Везде необходимо договариваться и всё согласовывать.
Режиссёр, сценарист, актёр, монтажёр Максим Волков считает, что во всех киноработах есть душа. Максим заметил, что сам не до конца понимает, для кого делается авторская фестивальная анимация? Такие работы обычно демонстрируются только на фестивалях, а потом их нельзя или трудно найти в общем доступе. Поэтому создается впечатление, что они делаются только ради получения приза на фестивале.
Максим Волков: «В России любое коммерческое кино, всегда на какой-то процент авторское. Люди вкладывают в эти произведения свои силы, сами пишут сценарий, сами рисуют раскадровку».
Режиссёр, сценарист, художник, саунд-дизайнер, преподаватель в НИУ ВШЭ Никита Мещеряков считает, что лучше делить кино и анимацию на авторскую и не авторскую. Потому что есть много примеров коммерчески успешных авторских кинопроектов. Никита назвал Джеймса Кэмерона самым успешным режиссером авторского игрового кино. Потому что он сам занимается и сценарием, и продюсированием, и монтажом своих фильмов, что делает их авторскими.
Авторское кино отличается от авторской анимации тем, что человек не может снять фильм в одиночку, а сделать мультфильм — может.
Никита Мещеряков: «В авторском кино автор управляет всеми этапами процесса, поэтому можно сказать, что Джеймс Кэмерон более авторский режиссер, чем даже Тарковский».
Полина Кампиони заметила, что в авторском кино должно быть видно автора, его стиль должен быть узнаваем. «А неавторские работы, как будто может сделать кто угодно, не важно, чья фамилия стоит в титрах».
Никита ответил, что у всех есть свое виденье. «Просто у кого-то оно более гипертрофированное».
Алёна Сычёва: «У нас традиция нашего русского кино такова, что нам очень тяжело понять, что такое авторское кино, потому что мы в принципе делаем авторское кино».
Алёна Сычёва обозначила, что в России традиция авторского кино идет еще с советских времен, когда киноиндустрию развивали экспериментаторы и революционеры: Пудовкин, Довженко, Козинцев, Трауберг и так далее. Продюсером и спонсором для них выступало государство. Цель была — мировая революция, а не получение прибыли. В Голливуде и в западных странах киноиндустрия работала иначе, поэтому в США и Европе разница между авторским и коммерческим кино существеннее и ощутимее, чем у нас.
Никита Мещеряков: «Мне не обязательно, чтобы мое кино увидело миллиард. Даже если один человек увидел мой фильм, и он его тронул, значит фильм был сделан не зря».
Алексей Минченок отметил, что для него разница авторского и коммерческого кино и анимации заключается в том, что импульс авторского исходит от автора, а коммерческое отталкивается от потребностей аудитории.
Полина Кампиони добавила, что авторское в контексте кино обычно является синонимом «несмотрибельного». Анимационный фильм Никиты Мещерякова «Ведрити» получил приз профессионального жюри, но для неподготовленных зрителей он может показаться сложным и непонятным.
Никита Мещеряков считает, что все дело в насмотренности. Если люди смогут на регулярной основе, а не только на фестивалях, знакомится с авторской анимацией, то они станут понимать ее.
Алексей Минченок: «Коммерческая анимация отвечает ожиданиям зрителя. Проводит огромные исследования, тратит на это кучу денег и времени, чтобы понять, что хочет зритель. Потому что есть какой-то человек, который сидит и ждет хороший мультик. У него есть конкретный запрос. Вот этот запрос понять и его удовлетворить — эту задачу выполняет коммерческая анимация».
Алёна Сычёва поделилась своими кейсами, как она популяризировала авторскую анимацию. Алёна проводила показы с обсуждениями, постепенно знакомя людей с таким видом киноискусства.
Спикер занималась организацией с нуля такого международного фестиваля анимационного кино в Хабаровске, как «АНИМУР». Организаторы подчеркивали, что это фестиваль не только детской, но и взрослой анимации. Потому что анимация — это вид. А ограничения по возрасту действуют так же, как в кино и могут быть разные. Однако пришлось долго приучать местное население и даже специалистов из сферы кино, что анимация — не только для детей.
Сейчас Алёна занимается Воронежским Международным Анимационным Фестивалем и проводит там также постепенную работу с населением.
«Аккуратно, дозированно авторскую анимацию упаковываю в сеансе».
Когда зритель идет в кино, у него обычно есть некоторые ожидание. Под самим словом «кино» он скорее всего подразумевает что-то конкретное. Авторская анимация — это всегда сюрприз. Поэтому знакомство с такими картинами проходит непросто.
Полина Кампиони: «От того, кто придёт на показ, будет зависеть атмосфера в зале, которая тоже влияет на восприятие авторского кино. Вот это невозможно заранее предсказать. То есть внезапно несмешные вещи становятся смешными в одной аудитории и наоборот».
Есть ли возможность совместить авторский подход и коммерческий успех?
Максим считает, что убедительный пример успешного сочетания авторского и коммерческого — студия А24, которая нишевая и независимая при этом коммерчески успешная. В России есть аналогичный кейс — студия «Мельница».
Алексей полагает, что в анимации это сложно сочетать, потому что сейчас коммерческой анимации для взрослых крайне мало. В основном все делается для детей. Поэтому сейчас нужно набрать пласт качественных мультфильмов для детей, чтобы потом продолжать экспериментировать с анимацией для взрослых.
Алёна Сычёва добавила, что «Фонд Кино сейчас поддерживает создание авторской полнометражной анимации». Скорее всего эти картины не окупятся в прокате, но станут первопроходцами, знакомящими зрителей с таким искусством. Это долгая и планомерная работа.
Полина Кампиони акцентировала внимание на вопросе рекламы авторской анимации, потому что нет четкого понимание, как это грамотно преподнести, то есть зачем нужно посмотреть тот или иной мультфильм?
Алексей Минченок считает, что стоит делать авторские мини-сериалы, потому что таким форматом проще удержать внимание зрителя, чем короткометражкой.
Никита Мещеряков отметил, что важно донести до зрителя, что «в фильме можно получать удовольствие не только от того, что ты понимаешь сюжет. Можно получать удовольствие много от чего»: от картинки, от саунд сопровождения и так далее.
«Нужно относиться проще к просмотру кино, наслаждаться тем, что ты можешь найти для себя в этом фильме».
Алексей Минченок: «Мне кажется важно чувствовать кино, воспринимать его не мозгом, а чем-то другим».
В конце дискуссии прозвучали такие вопросы из зала:
Кто может рассказать об анимационном проекте, чтобы о нем услышали?
Стоит ли внедрять авторскую анимацию в массы? И зачем?
Насколько уместно делать коллаборации киноиндустрии c другими сферами, например, ресторанного бизнеса?
Почему среди зрителей так развита экспертность?
Что ответили спикеры, вы можете узнать, посмотрев видеотрансляцию конференции.
Александра Митлянская: «В определение видеохудожник основное — это художник. Видеокамера — это инструмент для воплощения вашей идеи».
Видеохудожник, куратор профилей «Экранные искусства» и «Видеоарт» в Школе дизайна НИУ ВШЭ Александра Митлянская рассказала курс ДПО «Видеоарт», который рассчитан как на бакалавров, учившихся в Школе дизайна на профиле «Экранные искусства», так и на людей любого возраста, которые не имеют профильного образования, но хотят заниматься современным искусством.
Александра объяснила, что видеоарт отличается от остальных видов киноиндустрии тем, что является личным высказыванием художника, а не выполняет заказ, не подстраивается под мнение зрителя.
Обучение в Школе дизайна НИУ ВШЭ дает возможность участвовать во всех выставках и фестивалях, которые устраивает учебное заведение. Это отличный старт карьеры и шанс для самореализации.
Завершили конференцию показом анимационных работ студентов Школы дизайна «Искусство — это серьёзно». Посмотреть мультипликационные фильмы можно в трансляции нашего мероприятия.
Мероприятие прошло 18 апреля с 17:30 до 22:00 в пространстве HSE CREATIVE HUB.
Подробнее об этом и других событиях, проходящих на площадке CREATIVE HUB, можно узнать на сайте creative.hse.ru/hub
