Занятие 1. Основы Adobe Photoshop.
Лекция на тему «Акцентирование внимания (или создание фокусной точки) в арте»
Photobashing
Photobashing — это техника создания изображения, при которой художник комбинирует фотографии, текстуры, 3D-рендеры и цифровую дорисовку, чтобы быстрее получить детализированную и реалистичную работу.
Проще говоря, художник не рисует всё с нуля, а собирает изображение из разных визуальных материалов: например, берёт фото скал, неба, зданий, металла, ткани, вставляет их в композицию, подгоняет по перспективе, свету, цвету и затем дорисовывает поверх, чтобы всё выглядело как единая цельная работа.
Photobashing используется для:
- концепт-арта окружения - matte painting - иллюстраций - игровых локаций - киношных фонов - быстрых визуализаций идеи
Главная задача Photobashing — не просто склеить фотографии, а художественно объединить их так, чтобы изображение выглядело цельным: с единой перспективой, светом, цветом, атмосферой и стилем.
История Photobashing
История Photobashing связана не только с цифровым искусством, но и с более ранними приёмами коллажа, matte painting и кинопроизводства. Хотя сам термин стал активно использоваться уже в эпоху Photoshop и цифрового концепт-арта, идея сочетания разных изображений в одной работе появилась гораздо раньше.
Предпосылки: коллаж и фотомонтаж
До появления цифровых программ художники уже использовали принцип совмещения разных изображений. В начале XX века активно развивались коллаж и фотомонтаж: художники вырезали фрагменты фотографий, газет, иллюстраций и собирали из них новые композиции.
Очень важный этап — развитие matte painting в кино. Ещё в первой половине XX века художники дорисовывали декорации, пейзажи и архитектуру, чтобы создать иллюзию масштабных миров, которых на самом деле не существовало.
Изначально изображения могли рисовать на стекле и совмещать с реальными съёмками. Позже, с развитием монтажа и цифровых технологий, matte painting стал всё чаще выполняться в программах вроде Photoshop.
Именно здесь сформировалась логика, близкая к Photobashing: художник соединяет реальные фотографии, рисованные элементы, текстуры и съёмочный материал в цельное изображение.
Появление цифрового Photobashing
Современный Photobashing начал активно развиваться вместе с распространением цифровых графических редакторов, особенно Photoshop. Художники получили возможность быстро вырезать, трансформировать, перекрашивать и объединять фотографии.
Photobashing в игровой и киноиндустрии
Особенно активно Photobashing стал использоваться в концепт-арте для игр и кино. В индустрии часто нужно быстро показать идею: локацию, здание, транспорт, костюм, атмосферу мира или ключевой кадр.
Рисовать всё с нуля бывает слишком долго, поэтому художники начали комбинировать фотографии, 3D-базу и ручную дорисовку. Это позволило создавать более детализированные и убедительные изображения за меньшее время.
Photobashing сегодня
Сегодня Photobashing — это один из стандартных инструментов в арсенале концепт-художника. Он используется не как «лёгкий способ не рисовать», а как профессиональный метод ускорения производства.
Главное вPhotobashing — не просто вставить фотографии, а грамотно объединить их в одно изображение. Художник должен понимать композицию, перспективу, свет, цвет, материалы и атмосферу. Без этих знаний работа будет выглядеть как случайный коллаж.
Чем отличается Photobashing от Коллажа?
Коллаж и Photobashing похожи тем, что оба используют готовые изображения и фотографии, однако между ними есть важная разница в цели, подходе и уровне обработки материала.
Что такое Коллаж?
Коллаж — это художественная техника, при которой разные изображения, фотографии, вырезки или текстуры намеренно соединяются в одной композиции.
Главная особенность коллажа — зритель часто видит, что работа состоит из отдельных частей. Разные элементы могут сохранять свою оригинальную форму, стиль, текстуру или даже выглядеть нарочито «склеенными».
В отличие от коллажа, задача фотобашинга — скрыть границы между элементами и сделать так, чтобы изображение выглядело как единая сцена.
Коллаж: «Соединяет разные изображения вместе.»
Photobashing:
«Использует фотографии как материал для создания новой цельной сцены.»
Чем отличается Photobashing от Matte-painting?
Photobashing и Matte-painting часто пересекаются, потому что оба метода могут использовать фотографии, 3D, текстуры и дорисовку. Но это не одно и то же: разница прежде всего в задаче, финальном результате и контексте использования.
Что такое Matte-painting?
Matte painting — это создание или расширение фона, окружения или декорации, чаще всего для кино, сериалов, рекламы или игровых синематиков.
Его основная задача — создать реалистичное изображение, которое можно встроить в кадр так, чтобы зритель поверил, что это часть реального пространства.
Photobashing — это техника. Matte-painting- это чаще финальный производственный результат или направление, связанное с созданием фонов и окружения для кадра.
То есть Photobashing может быть одним из инструментов matte painting, но Matte-painting не сводится только к Photobashing
Обязательно ли знать академическую базу и художественную теорию?
Если кратко — желательно, но не обязательно. Заниматься Photobashing можно и без классического художественного образования, глубокого знания анатомии, перспективы или академического рисунка. Многие специалисты приходят в эту сферу из фотографии, дизайна, 3D или даже монтажа. Однако понимание основ композиции, света, цвета, перспективы и визуального языка способно значительно повысить качество работ.
Художественная теория помогает не просто собирать красивые коллажи, а создавать цельные, убедительные и атмосферные сцены, которые выглядят кинематографично и профессионально. Именно знания делают изображение более осознанным: помогают правильно выстраивать глубину, работать с освещением, интегрировать элементы между собой и управлять вниманием зрителя.
План работы
Идея
Первый и самый важный этап — это идея. Для matte painter очень важно развивать воображение и визуальное мышление, чтобы создавать интересные и запоминающиеся концепции. Даже качественный рендер и хорошая техническая реализация не смогут выделить работу среди множества других, если в ней отсутствует сильная идея или интересное визуальное решение.
Поиск референсов
После формирования идеи начинается поиск референсов. Референсы помогают определить настроение сцены, подобрать подходящую архитектуру, освещение, цветовую палитру и детали окружения. Для удобной организации и просмотра референсов часто используют программу PureRef, которая позволяет хранить все изображения под рукой во время работы. Программа бесплатная, и её можно легко скачать с официального сайта или найти по первой ссылке в поиске.
Сбор фотоматериалов
Следующий важный этап — сбор фотоматериалов. Художник подбирает фотографии, текстуры и различные элементы, которые в дальнейшем будут использоваться в photobash и создании сцены. Качество и разнообразие фотоматериалов напрямую влияют на итоговую работу.
Набросок
После этого начинается этап наброска. Существует несколько подходов к созданию основы для matte painting:
3D-блокинг — художник создаёт простую 3D-сцену или грубую модель в Blender или другой 3D-программе. Поверх этого блока затем выполняется Photobashing и дальнейшая прорисовка. Такой подход помогает быстро выстроить перспективу, композицию и освещение.
Коллажный набросок — можно сразу начать собирать сцену из фотографий, создавая грубый коллаж и постепенно дорабатывая его. Этот метод часто используется для быстрого поиска композиции и атмосферы.
Рисованный скетч — некоторые художники сначала создают обычный рисунок или тональный набросок, а уже затем переходят к matte painting и Photobashing.
Финальный этап
Финальный этап — это проработка и финализация изображения. На этой стадии художник объединяет все элементы сцены, выравнивает цвет и освещение, добавляет атмосферные эффекты, детали, глубину, а также доводит изображение до цельного и реалистичного вида.
Акцентирование внимания (или создание фокусной точки) в арте
Правило третей
Правило третей — это один из базовых принципов композиции, который помогает сделать изображение более гармоничным, читаемым и визуально интересным.
Суть правила заключается в том, что изображение мысленно делится двумя вертикальными и двумя горизонтальными линиями на девять равных частей. В результате получается сетка из прямоугольников и четыре точки пересечения линий — именно они считаются наиболее сильными композиционными зонами.
Согласно этому правилу, главный объект изображения желательно располагать не строго по центру, а ближе к линиям или точкам пересечения сетки. Такое расположение делает композицию более живой и естественной для восприятия.
Почему это работает?
Человеческий глаз редко задерживается строго в центре изображения. Нам естественнее рассматривать картинку, в которой есть визуальный баланс и небольшое смещение акцентов. Правило третей помогает избежать слишком статичной и «паспортной» композиции, создавая ощущение пространства, движения и глубины.
Деление на три плана
Деление на три плана — это один из ключевых принципов композиции, который помогает создать в изображении ощущение пространства, глубины и объёма. Этот приём используется в живописи, фотографии, кино, matte painting, concept art и практически во всех видах визуального искусства, связанных с построением сцены.
Суть метода заключается в том, что изображение условно разделяется на три пространственные зоны:
передний план, средний план, задний план.
Каждый из них выполняет свою задачу и по-разному влияет на восприятие сцены зрителем.
Передний план
Передний план — это объекты, расположенные ближе всего к зрителю. Обычно именно они сильнее всего перекрывают изображение и создают ощущение присутствия внутри сцены.
На переднем плане часто располагают:
крупные силуэты, ветки, камни, траву, элементы интерьера, части архитектуры, размытые объекты.
Главная задача переднего плана — создать глубину и вовлечь зрителя в пространство изображения.
Очень часто в concept art и matte painting передний план специально делают:
темнее, контрастнее, более детализированным, с сильными силуэтами.
Иногда его, наоборот, слегка размывают, чтобы создать эффект камеры и усилить кинематографичность сцены.
Передний план работает как своеобразная «рамка» изображения. Он помогает глазу почувствовать расстояние между объектами и делает сцену менее плоской. Без него окружение часто начинает выглядеть как обычная картинка на стене, а не как реальное пространство.
Средний план
Средний план — это основная часть композиции. Именно здесь чаще всего находится главный объект изображения:
персонаж, здание, событие, центр действия.
Средний план является главным носителем информации. Если передний план создаёт глубину, а задний — атмосферу и масштаб, то средний план отвечает за основной визуальный акцент.
Обычно именно на среднем плане:
находится фокус внимания, располагается главный источник истории, читаются основные формы и силуэты.
В хорошей композиции средний план должен быть наиболее понятным и читаемым. Зритель должен быстро понимать:
куда смотреть, что является главным, что происходит в сцене.
Поэтому средний план часто делают:
наиболее контрастным, лучше освещённым, композиционно выделенным.
Задний план
Задний план — это самая дальняя часть сцены.
Он отвечает за:
масштаб, атмосферу, глубину пространства, окружение, настроение изображения.
На заднем плане могут находиться:
горы, город, небо, дальняя архитектура, туман, большие массы света.
Обычно задний план делают:
менее контрастным, менее детализированным, более светлым или холодным по цвету.
Это связано с эффектом воздушной перспективы: чем дальше объект от зрителя, тем сильнее воздух влияет на его восприятие. Поэтому дальние объекты становятся:
более бледными, менее насыщенными, мягче по контрасту.
Именно благодаря этому появляется ощущение расстояния.
Зачем нужно деление на три плана
Главная задача этого принципа — борьба с плоскостью изображения.
Когда художник не разделяет сцену на планы, все объекты начинают восприниматься как находящиеся на одной линии. Изображение становится:
плоским, плохо читаемым, визуально скучным.
Деление на планы помогает:
создать глубину, усилить реализм, управлять вниманием зрителя, сделать сцену кинематографичной, показать масштаб пространства.
Детализация
Детализация — это один из важнейших инструментов управления вниманием зрителя в изображении. С её помощью художник может буквально направлять взгляд человека по композиции и показывать, какие элементы являются главными, а какие второстепенными.
Когда зритель смотрит на изображение, глаз почти всегда автоматически цепляется за самые визуально сложные и проработанные области. Человеческий мозг устроен так, что ему интересно рассматривать информацию, различать формы, текстуры и мелкие элементы. Именно поэтому детализированные участки изображения притягивают внимание сильнее, чем простые и обобщённые формы.
В композиции это используется осознанно. Художник не распределяет одинаковое количество деталей по всей работе, а создаёт так называемую иерархию внимания.
Второстепенные зоны, наоборот, упрощаются.
Несмотря на большое количество деталей, изображение может выглядеть менее профессионально, потому что в нём отсутствует чёткий композиционный центр.
Правильная детализация работает по принципу контраста между сложным и простым. Чем более спокойным и обобщённым является окружение, тем сильнее выделяется проработанный объект. Именно поэтому в concept art, matte painting и кино большое внимание уделяется не только тому, где добавить детали, но и тому, где их намеренно убрать.
Очень часто художники используют постепенное уменьшение детализации по мере удаления объектов от зрителя. Это связано не только с композицией, но и с тем, как работает человеческое зрение и камера. Ближние объекты мы видим лучше и чётче, а дальние — менее подробно.
Размер и характер форм
Также художники используют так называемый принцип «big, medium, small» — сочетание больших, средних и маленьких форм. Это один из фундаментальных принципов дизайна.
Размер и характер форм являются одними из главных инструментов композиции, с помощью которых художник управляет вниманием зрителя и выстраивает визуальную иерархию изображения. Именно через формы зритель начинает воспринимать картинку ещё до того, как обращает внимание на детали, цвет или текстуры.
Когда человек смотрит на изображение, мозг сначала считывает крупные массы и силуэты. Мы воспринимаем общую форму быстрее, чем мелкие элементы. Поэтому художники используют различие размеров, силуэтов и типов форм, чтобы сразу показать, что в сцене является главным, а что второстепенным.
Один из самых простых и эффективных способов акцентировать внимание — это контраст размеров. Крупный объект почти всегда воспринимается как более важный, чем маленький. Если в композиции присутствует один большой силуэт среди множества мелких элементов, взгляд зрителя автоматически направляется именно к нему.
Однако размер работает не только буквально. Иногда даже небольшой объект может стать главным, если вокруг него остаётся много свободного пространства или рядом находятся более простые формы. Это связано с тем, что глаз замечает контраст и различие между объектами.
Очень важную роль играет разнообразие форм. Если все элементы изображения одинаковы по размеру и силуэту, композиция начинает выглядеть монотонной и скучной. Зрителю становится трудно понять, на что смотреть, потому что всё имеет одинаковый визуальный вес.
Цвет, свет и тон
Цвет, свет и тон — это одни из самых сильных инструментов акцентирования внимания в изображении. Если форма помогает зрителю понять, что именно изображено, то цвет, свет и тон помогают понять, куда смотреть в первую очередь и что является главным.
В композиции они работают не отдельно, а вместе. Через них художник управляет взглядом зрителя, создаёт настроение, выделяет главный объект, показывает глубину пространства и усиливает эмоциональное восприятие сцены.
Тон
Тон — это светлота или темнота объекта. Проще говоря, если перевести изображение в чёрно-белый режим, всё, что останется, — это тональные отношения.
Тон показывает, насколько объект светлый или тёмный по сравнению с другими объектами. Именно тон чаще всего сильнее всего влияет на читаемость изображения. Даже если убрать цвет полностью, хорошая композиция всё равно должна работать за счёт правильного распределения светлого и тёмного.
Главный принцип здесь — тональный контраст. Глаз зрителя быстрее всего замечает место, где рядом находятся очень светлая и очень тёмная области. Например, светлый персонаж на тёмном фоне будет сразу выделяться. Точно так же тёмный силуэт на светлом небе мгновенно станет заметным.
Поэтому художник может специально строить изображение так, чтобы главный объект находился в зоне самого сильного тонального контраста. Это помогает зрителю быстро понять, где находится смысловой центр композиции.
Тон акцентирует внимание потому, что человеческий глаз очень чувствителен к перепадам светлого и тёмного. Мы быстрее считываем контрастные пятна, чем сложные цветовые отношения. Поэтому грамотный тональный акцент может работать даже сильнее, чем яркий цвет.
Свет
Свет в изображении выполняет сразу несколько задач. Он показывает форму объектов, создаёт объём, задаёт настроение сцены и направляет внимание зрителя.
Световой акцент работает очень просто: зритель чаще всего смотрит туда, где находится самое заметное освещение или самый выразительный перепад света и тени. Если вся сцена тёмная, а один объект освещён, он автоматически становится главным.
Например, в тёмной комнате персонаж может быть выделен лучом света из окна. Даже если вокруг много мебели, деталей и текстур, взгляд зрителя пойдёт именно к освещённому персонажу. Свет как будто говорит: «смотри сюда».
Цвет
Цвет влияет на внимание зрителя через контраст, насыщенность, температуру и эмоциональные ассоциации.
Самый очевидный способ выделить объект цветом — сделать его отличающимся от окружения. Если вся сцена выполнена в холодных синих и серых оттенках, маленький тёплый оранжевый свет сразу станет акцентом. Если вся сцена тёплая и золотистая, холодный синий объект будет выделяться.
Это называется цветовой контраст. Глаз замечает цвет, который отличается от общей палитры изображения. Поэтому художники часто используют ограниченную палитру, а затем добавляют один акцентный цвет для главного объекта
На практике цвет, свет и тон почти никогда не работают изолированно. Самый сильный акцент появляется тогда, когда они поддерживают друг друга.
Перспектива
Перспектива — это система правил и приёмов, которая помогает художнику передать глубину пространства на плоскости. Проще говоря, перспектива нужна для того, чтобы зритель поверил, что перед ним не плоский лист или экран, а объёмная сцена, где объекты находятся ближе, дальше, выше, ниже и имеют реальный масштаб относительно друг друга.
Главная задача перспективы — создать ощущение глубины и логики пространства. Без неё предметы могут выглядеть так, будто они «плавают» в воздухе, стоят под разными углами или не связаны между собой. Зритель может не сразу понять, где находится земля, насколько объект далеко, какого он размера и как устроена сцена.
