Рубрикатор
- Что такое female gaze?
- Женский взгляд импрессионисток
- Female gaze в искусстве 20 века
- Female gaze в кинематографе 21 века
Что такое «male gaze», и чем он отличается от «female gaze»?
«Male gaze» научил нас воспринимать женщину в искусстве как объект: модель, муза, красивое тело. В рамках патриархальной оптики женщина всегда подходит под определённую социальную роль, которая отображается в визуальной культуре. Среди них можно выделить две самые популярные роли для женщины в искусстве — любящая мать/хранительница очага и любовница/блудница. C появлением доступа к свободному выражению мыслей у женщин, роли переосмысляются, показывая женщину уже как активного субъекта, а не только объект на который смотрят. Моё исследование посвящено тому, как женщины видят сами себя и друг друга, как менялось восприятие женских образов их глазами. Моя цель — показать как «female gaze» направлен на эмпатию, а не на оценивание, как каждый женский образ на картине проживает свой собственный опыт и перекликается с личным опытом каждой женщины. Концепция «male gaze», рассмотренная Лорой Малви в её эссе «Визуальное удовольствие и нарративный кинематограф», закрепил в феминистской оптике представление о том, что классический кинематограф и визуальная культура в целом структурирована вокруг взгляда мужского субъекта, который объективизирует женское тело. «Female gaze» проявляется не в том, кто транслирует, а в том, как организована эта трансляция искусства. Male gaze — это не просто взгляд мужчины, это оптика фокуса. Он выхватывает женское тело из контекста, изолирует, делает объектом пристального изучения, подчиняет единой точке схода — желанию и власти смотрящего. Это прямая линия от глаза к объекту: властная, центрированная, заточенная на обладание. Но уже в XIX веке внутри этой центрированной оптики начинают возникать иные визуальные стратегии. Женщины-художницы стали разрабатывать свой собственный стиль, который стал зарождением феномена «female gaze» — сюжеты и роли женщин в их произведениях значительно отличались от мужского взгляда. Моё исследование предлагает рассмотреть «female gaze» как другой способ восприятия женских образов — неидеальных, не до конца раскрытых. В то время как «male gaze» представляет собой властную зрительскую позицию, «female gaze» является её противоположностью: он говорит не «посмотри на женщину иначе», а полностью переворачивает привычные роли. Это образ, который отказывается обслуживать удобство смотрящего.
Берта Моризо «В столовой», 1886 год
Так, художницы импрессионистски (Берта Моризо, Мэри Кассат) пишут женщин не как красивых моделей, застывших для зрителя, они показывают реальные моменты из жизни женщин. В этих образах женское тело не вырвано из мира для идеальной картинки, а вписано в окружающую среду. Если «male gaze» наделяет женщину объективизацией, то со стороны женской оптики, она становится полноценным объектом и главным героем художественного произведения. Данное исследование прослеживает, как концепция «female gaze» зарождалась и трансформировалась в визуальном искусстве XIX–XXI веков, от Берты Моризо до современных инсталляций и видео-арта.
«Я не думаю, что какой-либо мужчина когда-либо будет относиться к женщине как к равной, и это всё, о чём я прошу, потому что знаю себе цену», — Берта Моризо.
1. Эдма Моризо (В замужестве Понтийон) «Портрет Берты», 1863 год. 2. Берта Моризо «Чтение», 1869–1870 гг.
Сёстры Моризо — одни из первых женщин-художниц импрессионисток, которые вместе бросили вызов консервативным устоям и строгим нормам буржуазного общества XIX века. Обе девушки получили престижное художественное образование, но позже их жизни сложились по-разному: Берта Моризо навсегда вписала своё имя в историю импрессионизма, став одной из четырёх великих дам импрессионизма, в то время как Эдма была вынуждена оставить свою мечту — она вышла замуж и стала матерью. Мать девочек с детства прививала им любовь к творчеству: она сопровождала ил на пленэры и на сеансы копирования в Лувр. Преподаватели сразу заметили талант сестёр — они боялись, что девочки могут заняться искусством как основной деятельностью, а это противоречило правилам буржуазного общества того времени.
Берта Моризо «Сёстры», 1869 год
Берта Моризо «Портрет Эдмы», 1870 год
Эдма Моризо была первой моделью Берты, рисуя портреты сестры она практикуется в разных видах портретов, что впоследствии станет её отличительной чертой — Берта Моризо предпочитала работать с женскими портретами. Картины Эдмы также выставлялись в Салоне, но ей пришлось оставить карьеру художницы. В отличие от своей сестры, Берта смогла реализоваться и в искусстве, и в семейной жизни, в то время как её современницам приходилось выбирать что-то одно.
Берта Морило «На балу» 1875 год.
На картине «Колыбель» Берта изобразила свою любимую сестру Эдму, которая наблюдает за своей спящей дочерью Бланш. Берта смогла отлично передать чувства матери — то, с каким спокойствием и умиротворением Эдма смотрит на свою маленькую дочь. Эмоции, которые испытает Эдма знакомы каждой матери, на картине запечатлён личный и интимный момент, одновременно отражающий социальные ожидания и внутренние переживания женщины XIX века. Для самой Берты эта картина имеет огромное значение: это её первая художественная работа на тему материнства, которая впоследствии стала её любимой. Она была представлена на первой выставке импрессионистов в 1874 году, где Моризо была единственной женщиной.
Второй любимой моделью Берты стала её дочь, Жюли Мане, которая впоследствии так же как и её мать стала художницей. Она очень любила писать портреты, в том числе и женские.
1. Берта Моризо «Жюли Мане и её борзая Лаэрт» 1893 год 2. Жюли Мане «Портрет Жанны Гобийар»
«Люди обсуждают мое искусство и делают вид, что понимают его; как будто надо понимать, а не просто любить», — Мэри Кассат.
Мэри Кассат «Автопортрет» 1878 год.
Основной темой в работах Мэри Кассат стало изображение материнства. Её картины показывают повседневную жизнь женщин — шитьё, чтение, воспитание детей. Портреты матерей и детей, написанные Мэри Кассат, отображают реальную жизнь женщин того времени. Вместо того, чтобы идеализировать образ матери, она сосредоточилась на том, чтобы показать семейную жизнь без прикрас, но с особой теплотой. Кассат сознательно выбрала именно эту тематику в своих работах, поскольку она была феминисткой и активно боролась зато женские права. Для неё было важно показывать женщин живыми и настоящими.
1. Мэри Кассат «Материнский поцелуй» 1891 год. 2. Мэри Кассат «Сара, держащая кота» 1908 год.
Взгляды, которых придерживалась Мэри Кассат, осуждались обществом того времени — чаще она сталкивалась с осуждением, а не с поддержкой. Её работы также подвергались критике — художники-мужчины считали, что цвета на её полотнах слишком яркие, а портреты слишком точные, для того, чтобы соответствовать оригиналу.
Любимая модель Мэри Кассат — её старшая сестра Лидия. Мэри Кассат «Чашка чая» 1880 год.
Появление импрессионизма кардинально изменило восприятие академических правил в художественном обществе, что позволило женщинам обрести право на самовыражение через свои работы. До этого творческие профессии были для женщин недоступными. Берта Моризо и Мэри Кассат смогли показать мир глазами женщины XIX века, в котором они не объект мужского взгляда, а субъект переживания. Импрессионизм, используя как основу своей философии изображение мимолётного и светлого момента, смог легитимизировать «женский взгляд» в искусстве и открыть доступ к творчеству для женщин XX и XXI века.
1. Мэри Кассат «Женщина с жемчужным ожерельем в ложе» 1879 год. 2. Мэри Кассат «В ложе» 1878 год.
С распространением импрессионизма за пределы Франции, женщины стали больше увлекаться живописью. Так, норвежская художница Ода Крог тоже предпочитала писать женские и детские портреты — она любила изображать то, что сама наблюдает в своей повседневной жизни.
1. Ода Крог «Афтенпостен» 2. Ода Крог «Портрет актрисы Юханне Дювбад» 1912 год.
Другим, не менее известным примером импрессионистской живописи, является Анна Анкер, которая также очень любила раскрывать в своих работах образы матерей и детей.
1. Анна Анкер «Ужин в саду» 2. Анна Анкер «Младший брат»
Женский взгляд в искусстве XX века.
К началу века в ведущих европейских академиях женщины всё еще не могли обучаться наравне с мужчинами. Им был закрыт доступ к рисованию обнаженной мужской натуры, что автоматически лишало их серьёзного статуса. Поэтому само решение стать профессиональной художницей было актом сопротивления. Именно в этих условиях и рождался новый взгляд.
«В нас живет искра духа, она связана со всей душой. Это божественно. Она обращается к другим таким же искрам. Это стремление к творчеству», — Наталья Гончарова
Наталья Гончарова «Автопортрет» 1907–1908 гг.
В России начала 1910-х годов художницы-авангардистки — Наталья Гончарова, Любовь Попова, Александра Экстер — шли еще дальше. Их вклад в «женский взгляд» заключался не в работе с обнаженной натурой, а в тотальном отказе от гендерных клише в искусстве.
1. Наталья Гончарова «Осенний вечер. Испанки» 1922–1928 гг. 2. Наталья Гончарова «Испанка с веером» 1925 год.
Мощный, резкий и динамичный стиль Гончаровой, обращение к лучизму уничтожали саму бинарную оппозицию «мужского» и «женского» в творчестве. Они доказали, что взгляд художницы не обязан быть нежным или сосредоточенным на частной жизни — он может быть таким же аналитическим, урбанистическим и радикально формальным, как и у мужчин. Это была борьба за право быть просто художником, а не «художницей».
Работы Александры Экстер
Любовь Попова «Дама со скрипкой» 1915 год.
Любовь Попова активно экспериментировала при создании своих работ. Она соединила идеи французского кубизма и итальянского футуризма. Этот сплав и породил кубофутуризм — одно из главных течений русского авангарда, стремившегося передать на холсте динамику и движение. Художница разбирает цельный образ на множество геометрических сегментов и плоскостей. Фигура дамы и гитара не теряют своих очертаний окончательно, они «конструируются» из цветовых объемов. Такой подход заставляет зрителя активно «собирать» целостный образ в своем воображении.
Любовь Попова «Модель женщины» 1913–1914 гг.
Попова была одной из немногих женщин-художниц, работавших наравне с лидерами авангарда, это придает её картинам особую ценность. Она не просто следовала за художественным течением, но и активно формировала его, доказывая, что «женский взгляд» в искусстве не менее новаторский и значимый.
Художницы-авангардистки (Гончарова, Экстер, Попова, Розанова) нашли выход из академического тупика через радикальный разрыв с традицией. Их вклад в «женский взгляд» заключался не в ревизии «женских тем», а в тотальном отказе от гендерной маркировки искусства. Они пришли в абстракцию, лучизм, кубофутуризм — на территорию чистого эксперимента, где сами категории «мужского» и «женского» жанра теряли смысл. Это был путь отрицания самой системы, которая веками поддерживала неравенство.
Ольга Розанова «Портрет сестры, Анны Владимировны Розановой» 1911–1912 год.
«Я пишу себя, потому что я так часто бываю в одиночестве. И потому что себя я знаю лучше всего», — Фрида Кало.
Фрида Кало со своим произведением «Две Фриды».
Фрида Кало — самый яркий пример того, как женский взгляд может превратиться из акта созерцания в акт экзистенциального свидетельства. Если художницы-авангардистки часто уходили от плоти в абстракцию и динамику города, то Кало совершила обратное: она детально сосредоточила свой взгляд на собственном страдающем теле и внутреннем мире. Кало превратила жанр автопортрета в тотальное высказывание, где женщина не объект мужского созерцания, а единоличный автор и рассказчик своей боли. Это ключевой поворот: ее взгляд направлен не вовне, а внутрь себя, и этот самоанализ предельно честен.
Фрида, прикованная к постели.
Переломным моментом в истории Фриды стала авария, в которую она попала в возрасте 19 лет. У неё были многочисленные переломы по всему телу — позвоночник, таз, рёбра, а также травма живота и матки. Из-за этого Фрида была прикована к кровати целый год, она попросила у отца краски и кисти, чтобы она могла рисовать и хоть как-то справиться с болью. «Я осталась жива. Мне есть ради чего жить, ради живописи», говорила Фрида.
Фрида Кало «Больница Генри Форда» 1932 год.
После аварии у Фриды Кало была пробита матка и практически расплющен таз, из-за этого она не могла выносить и родить ребёнка. Фриды несколько раз сталкивалась с выкидышами и абортами, эти события очень сильно повлияли на неё и стали личной болью. На картине «больница Генри Форда» она изображает собственное тело в луже крови, с несколькими пуповинами — это изображение её личной трагедии и беспомощности. Фрида не боялась изображать свои переживания или своё тело в таком состоянии. «Я никогда не рисую сны или кошмары, я изображаю собственную реальность», говорила Фрида.
Фрида Кало «Сломанная колонна» 1944 год.
В своей работе «Сломанная колонна» Фрида Кало показывает свою боль и внутренние переживания. Она изображает своё покалеченное после аварии тело, которое прошло через множество серьёзных операций, чтобы нормально функционировать. Её кожа практически полностью обнажена, а вместо позвоночника у неё сломанная, трескающаяся колонна. В «Сломанной колонне» Кало совершает невозможное: она превращает женское тело из объекта чужого созерцания в субъект, который сам предъявляет свою уязвимость, не теряя достоинства.
Этот образ говорит: боль стала частью меня, но она не уничтожила мое достоинство и способность смотреть. Через такое изображение она перерабатывала физические страдания в источник невероятной внутренней силы.
Фрида Кало «Две Фриды» 1939 год.
Когда Кало писала других женщин, она наделяла их тем же достоинством. Её женские образы лишены кокетливой позы или ожидания мужской оценки. Они самодостаточны, часто монументальны, и их сила проистекает из внутренней сосредоточенности и неразрывной связи с традицией. Таким образом, женские образы Фриды Кало стали для неё главным инструментом самовыражения, способом собрать себя из осколков боли в бессмертную фигуру. Она доказала, что личный, интимный и даже болезненный опыт женщины — это не «мелкая тема», а легитимный и мощный материал для большого искусства, которое в итоге меняет сознание целых поколений.
Женский взгляд в кинематографе XXI века.
Два самых известных примера деконструкции «male gaze» — София Коппола и Грета Гервиг. Обе постановщицы раскрывают в своих режиссерских работах многогранные женские образы. Их кинематограф представляет две полярности женского взгляда: Коппола показывает меланхоличность и замкнутость, тогда как Гервиг исследует активное, часто хаотичное становление женщины в борьбе с социальными ожиданиями.
Кадры из фильма «Трудности перевода» 2003 год. Работа Софии Копполы.
«Трудности перевода» 2003 год. Работа Софии Копполы.
В фильме «Трудности перевода» Шарлотта, которую играет Скарлетт Йоханссон, заперта в бездействии токийского отеля. Камера подолгу задерживается на её лице, на том, как она сидит у окна, глядя на чужой город. Это не классическая объективация: зритель не рассматривает её фигуру, а, скорее, находится рядом, разделяя её рассеянность. Также, София Коппола отказывается от традиционных представлений о романтических отношениях между мужчиной и женщиной — связь между главными героями строится на эмоциональной близости и взаимопонимании, а не на страсти и сексуальном желании.
«Трудности перевода» 2003 год. Работа Софии Копполы.
«Мария-Антуанетта» в версии Копполы — это не историческая драма, а глубоко феминистский фильм, исследующий, как исторический нарратив веками создавал и тиражировал женские образы. Коппола не оправдывает и не демонизирует свою героиню. Она просто возвращает ей субъектность, показывая мир ее глазами: полный красоты, скуки, давления и одиночества. Своим взглядом она напоминает нам, что за каждой женщиной может скрываться заблудившаяся и загнанная в угол молодая женщина, за чью душу и тело шла борьба.
Фильм «Мария-Антуанетта» 2008 год. Работа Софии Копполы.
В 2023 году София Коппола выпускает свою новую режиссёрскую работу «Присцилла». Байопик о Присцилле Пресли, жене «короля рок-н-ролла» — Элвиса Пресли. История жизни с Элвисом рассказана исключительно с позиции героини: контроль над внешностью и эмоциональное поглощение личности. Даже Элвис, икона маскулинности, показан через призму субъективного восприятия Присциллы он всегда остаётся внешней силой, с которой её внутренний мир вынужден считаться. Фильм даёт визуальную форму опыту жизни в тени великого мужчины, возвращая право голоса той, кого привыкли видеть лишь как аксессуар.
Фильм «Присцилла» 2023 год. Работа Софии Копполы
Кадр из фильма «Присцилла» 2023 год. Работа Софии Копполы.
Сцена свадьбы из фильма «Присцилла» 2023 год. Работа Софии Копполы.
Дебютный фильм Гервиг — это полуавтобиографическая драма о старшекласснице Кристин «Леди Бёрд» МакФерсон, которая переживает последний год школы в Сакраменто. Уже здесь проявляются ключевые черты ее «female gaze». Исследователи отмечают, что Гервиг последовательно заменяет «male gaze» женской перспективой, предлагая аутентичную репрезентацию женского опыта. В отличие от Копполы, чьи героини часто пассивны и замкнуты в себе, героини Гервиг активны, амбициозны и находятся в процессе становления.«Леди Бёрд» на первый взгляд кажется классической историей взросления: последний год школы, первая любовь, конфликты с родителями, выпускной. Однако Гервиг с самого начала отказывается от привычных лекал жанра coming-of-age, который в мужской режиссуре часто выстроен вокруг обретения героем власти или сексуального опыта. Кристин, которую сыграла Сирша Ронан, не «подаётся» зрителю как объект для разглядывания. Мы видим её прыщи на лбу, неловкие движения, неуклюжую походку. Когда она красит волосы в ярко-рыжий и, сидя в ванной, просит мать не заходить, камера остаётся рядом с ней — не подглядывает из-за плеча, а сочувственно фиксирует момент интимности и уязвимости.
«Леди Бёрд» 2017 год. Дебютная работа Греты Гервиг.
«Леди Бёрд» доказывает, что «female gaze» — это не про смену объекта с мужчины на женщину. Это про фундаментальный сдвиг в том, как мы смотрим на героя, как мы даём ему право на противоречие, слабость, эгоизм и рост.
«Леди Бёрд» 2017 год. Дебютная работа Греты Гервиг.
«Барби» (2023) Греты Гервиг — это уникальный случай в истории кино. Режиссёр взяла самый, казалось бы, «антифеминистский» продукт массовой культуры — куклу, которую десятилетиями обвиняли в насаждении недостижимых стандартов красоты и разрушении самооценки у девочек — и превратила его в площадку для самого громкого феминистского высказывания в истории блокбастеров. В «Барби» Гервиг не просто продолжает свою авторскую линию исследования женского опыта (начатую в «Леди Бёрд» и «Маленьких женщинах»), но и выводит её на принципиально новый уровень, делая «female gaze» доступным для глобальной аудитории.
Фильм «Барби» 2023 год. Режиссёр Грета Гервиг.
Прорыв, начатый Бертой Моризо и Мэри Кассат в 1870-х и продолженный Александрой Экстер, Фридой Кало и другими, в начале XX века, был радикален не тем, на что они смотрели, а тем, как они это делали. Объединяет все эти голоса от Кассат до Гервиг одно фундаментальное утверждение: женский опыт не является частным случаем, исключением или девиацией от «мужской» нормы. Это полноценный, сложный, достойный экрана и холста способ существования в мире. Эволюция «женского взгляда» это история медленного, но неумолимого возвращения женщине права быть не музой, не моделью, не проекцией чужих фантазий, а смотрящей, мыслящей и творящей личностью.
Жукова А. В. Импрессионисты. — 1-е изд. — Москва: АСТ, 2025. — 224 с. Сарабьянов А.Д.
Русский авангард. — 1-е изд. — Москва: АСТ, 2025. — 240 с.